Une fois encore, c’est une oeuvre de Manet qui est mise à l’honneur! ;)

Rejetée par le jury du Salon de 1863, « Le déjeuner sur l’Herbe » est exposée par Manet sous le titre Le Bain au « Salon des Refusés » accordé cette année là par Napoléon III. Elle en constitua la principale attraction, objet de moqueries et source de scandale.

Le style et la facture choquèrent presque autant que le sujet. Manet abandonne les habituels dégradés pour livrer des contrastes brutaux entre ombre et lumière. Aussi, lui est-il reprochée sa « manie de voir par taches ».

Et surtout dans ce tableau, la présence d’une femme nue au milieu d’hommes habillés n’est justifiée par aucun prétexte mythologique ou allégorique. La modernité des personnages rend obscène, aux yeux de ses contemporains, cette scène presque irréelle. Manet s’en amusait d’ailleurs, surnommant son tableau « La partie carrée ».

Et Zola de commenter:

 » Bon Dieu! quelle indécence: une femme sans le moindre voile entre deux hommes habillés! Cela ne s’était jamais vu. Et cette croyance était une grossière erreur, car il y a au musée du Louvre plus de cinquante tableaux dans lesquels se trouvent mêlés des person­nages habillés et des personnages nus.  »

« Ce qu’il faut voir dans le tableau, ce n’est pas un déjeuner sur l’herbe, c’est le paysage entier, avec ses vigueurs et ses finesses, avec ses premiers plans si larges, si solides, et ses fonds d’une délicatesse si légère; c’est cette chair ferme modelée à grands pans de lumière, ces étoffes souples et fortes, et surtout cette délicieuse silhouette de femme en chemise qui fait dans le fond, une adorable tache blanche au milieu des feuilles vertes »

Avec Le déjeuner sur l’herbe, Manet ne respecte aucune des conventions admises, mais impose une liberté nouvelle par rapport au sujet et aux modes traditionnels de représentation.

Merci d’avoir joué le jeu! Et en plus vous avez vu juste!

En effet derrière cet étrange paysage surréaliste se cache bien le corps d’une femme et plus précisément une œuvre bien connue:

L’origine du monde de Courbet!

En 1866 Gustave Courbet peint cette huile sur toile hyper réaliste représentant le sexe et le ventre d’une femme nue allongée sur un lit, les jambes écartées! Il semblerait qu’il ait pris pour modèle Joanna Hiffernan, la maîtresse de son ami peintre Whistler ce qui expliquerait la brutale séparation entre Courbet et Whistler peu de temps après la réalisation de l’œuvre.

Vous imaginez bien qu’à l’époque un tel tableau fit scandale! Les nus étaient toujours idéalisés, lisses, et l’érotisme n’était toléré que lorsqu’il s’agissait de peinture mythologique ou classique. Il fut donc conservé dans la discrétion, le plus souvent caché derrière un autre tableau.

En 1955 Jacques Lacan, psychanalyste, en fit l’acquisition et demanda à son beau frère André Masson, peintre surréaliste de construire un cadre à double fond et de peindre une autre œuvre par-dessus. Il réalisa donc Terre érotique, une œuvre qui viendrait suggérer plutôt que montrer, éveiller au fantasme plutôt que confronter à la réalité.

L’Olympia de Manet est une référence audacieuse à la célèbre Vénus d’Urbino du Titien. La pose est identique mais cette reprise de la posture est transformée. Effectivement dans le premier cas l’on a une figure chaste et innocente, le chien est un symbole de fidélité et les deux servantes rangent des affaires dans un coffre de mariage.

Ici, La présence de l’Olympia est troublante avec un regard qui fixe le spectateur. Si la main cache le sexe, elle présente un modelé vigoureux. L’atmosphère générale d’érotisme, surtout, est renforcée par la présence du chat noir à la queue relevée, aux pieds de la jeune fille. L’animal fut ajouté par Manet, non sans humour, afin de remplacer l’innocent chien figurant dans la Vénus d’Urbino, et peut-être également afin de désigner par métaphore ce que la jeune fille cache précisément de sa main.

Ce chat traduit une présence vraisemblablement masculine. La femme de chambre manifeste, d’ailleurs, un intérêt certain à apporter à l’Olympia les fleurs qu’elle vient de recevoir, alors que celle-ci n’y prête aucune attention et continue à poser et à aguicher les spectateurs que nous sommes d’un regard franc et provocant. On peut ainsi dire que l’amour passion est dans l’olympia remplacé par l’amour vénal.

Le Violon d’Ingres, est un photo-collage de Man Ray faisant référence à l’odalisque du Bain Turc d’Ingres. C’est une image surréaliste autant qu’un jeu de mots. Breton la publia dans l’ultime numéro de Littérature en juin 1924.

Man Ray aimait utiliser des étoffes lorsqu’il photographiait son modèle préféré Kiki. Kiki de Montparnasse, née Alice Prin au tout début du XXe siècle, fut l’une des figures les plus marquantes de la vie artistique parisienne de l’entre-deux guerres, lors des Années Folles. Égérie et amie de très nombreux artistes – Modigliani, Duchamp, Desnos, Picasso, Cocteau, Aragon, bon nombre des surréalistes -, Kiki fut la muse et l’inspiratrice de créateurs devenus depuis des signatures majeures de l’art moderne, comme Foujita et ici, Man Ray.

Le « violon d’Ingres » est aussi une expression. Ingres ne faisait pas que peindre, quand son art lui laissait un peu de temps, il s’adonnait à la musique et en l’occurrence au violon. Musicien amateur, Ingres était un artiste connu et l’expression « Violon d’Ingres » s’est vite propagée. Elle a d’abord désigné cette activité seconde d’un artiste qui pratiquait un art qui n’était pas le sien : « le violon d’Ingres de Zola : la photographie ». Par extension, la formule a désigné toute activité secondaire, à connotation artistique choisie par goût.

Et vous, c’est quoi votre violon d’Ingres?